Perdonarán mi ignorancia, pero siempre pensé que aquello de los cráneos de cristal mayas era una leyenda construida por Hollywood y heredada de película en película, hasta llegar a la cinta de Indiana Jones que está por estrenarse.

Hoy sé que son leyenda, porque los análisis de un grupo de científicos mostraron que al menos uno de ellos es falso, pero también sé que no la construyó Hollywood, sino los aventureros de finales del XIX.

La historia es, o más bien era, la que sigue. A finales del siglo antepasado aparecieron en manos de viajeros a Centroamérica y México doce cráneos de cuarzo de una enorme pureza. Estos se los llevaron de vuelta a casa y ahí los dejaron. Uno, de hecho, está expuesto en un museo parisino.

Se supone que los itzas, llegados al nuevo mundo desde una versión maya de la Atlántida, los trajeron a la tierra y los entregaron a los hombres junto con sus conocimientos sobre la ciencia y la magia.

Representaban, según algunos, los doce mundos habitados, aunque la lógica indicaría que hay un treceavo, puesto que la tierra también está habitada y es un mundo. Éste último cráneo, sin embargo, nunca fue encontrado.

Quienes creen la leyenda piensan que, si se alinean en forma correcta las trece piedras y se las pone en la posición adecuada el último día del calendario maya, el 12 de diciembre de 2012, se verían cosas maravillosas, y quien lo hiciera podría parar el mundo o adelantar la noche.

La mala noticia es que, o la leyenda es falsa, o hay más cráneos desaparecidos y no sólo el treceavo, porque por lo menos uno, el que se expone junto al Sena, no es auténtico.

Habrá que esperar hasta el 2012 para averiguar la verdad y rogar que Indiana Jones no haya pasado por todas sus desventuras buscando una piedra que, si bien ha de ser valiosa, no sirve más que para adorno.

Esta mañana recibí una gratísima sorpresa: ¡Alessandro Baricco escribió y dirigió una película que está pronta a estrenarse! Una película sobre Beethoven, sobre la Novena Sinfonía, con Leonor Watling. Una película que se titula Lección 21 (Lezione 21), que se estrena en Italia en septiembre próximo y que, a juzgar por el tráiler, me muero de ganas de ver.

Es una combinación que me parece magnífica. Baricco es el escritor que más me ha conmovido en los últimos años. Aunque algunas de sus obras no me han gustado –Seda, la verdad, me pareció linda y bien escrita, pero no más–, sus libros bien logrados son sencillamente magníficos y la novedad de su lenguaje, la claridad de sus personajes y la hondura de las historias son geniales.

La Novena, por otro lado, es en pocas palabras, uno de los muchísimos recordatorios de que vale la pena vivir que los hombres nos hemos regalado a lo largo de la historia .

En ella, Beethoven y Shciller, que hizo la letra, ponen en plata que, a pesar de los pesares y dolores, en este mundo la alegría y la belleza existen y gozan de buena salud.

Los testimonios sobre su estreno en Viena bastan para mostrarlo. El 7 de mayo de 1824, en el teatro Kapellmeister, la orquesta tuvo que tocar en una situación un tanto extraña: tenía dos directores en escena. Michael Umlauf llevaba oficialmente la batuta en el estreno de la primera sinfonía que Beethoven presentaba en diez años, pero no estaba sólo: junto a él estaba el autor, que marcaba el ritmo.

El violista Josef Bohm contó que “Beethoven se levantaba por momentos, a veces se hundía hasta el suelo, se movía como si quisiera tocar él mismo todos los instrumentos y cantar todas las voces del coro”.

Cuando terminó el último movimiento, el compositor se había rezagado algunas notas y seguía dirigiendo, de forma que uno de los músicos se acercó a él y lo giró hacia la audiencia: lo que vio Beethoven fue un público que, sabiendo que estaba sordo, hizo todo lo posible por mostrarle su aprecio. Lanzó los sombreros al aire y cubrió de blanco los palcos agitando sus pañuelos.

Y ahora, Baricco nos va a contar todo esto en la pantalla. Es una de las mejores noticias que he recibido.

La semana pasada descubrí, gracias a mi prima Ivonne, un grupo islandés que me tiene verdaderamente sorprendido y que ha sido una muy grata sorpresa. Se llama Sigur Rós, y tocan algo completamente distinto de lo que yo nunca había escuchado.

Mi primer contacto con la agrupación fue gracias al documental Heima, rodado después de una gira que hicieron por varios países, cuando decidieron dar una serie de conciertos gratuitos, sin promoción, en varias partes de Islandia.

El filme es un derroche de belleza. La fotografía es impecable, sin grandes pretensiones, muy novedosa. La estructura misma del documental es sorprendente a cada paso y cada nuevo concierto, y la música es maravillosa.

De hecho, cuando le pregunté a Ivonne qué era lo que más le gustaba me dio dos razones. La primera, que Sigur Rós no se parece a nada que hayas escuchado antes. La segunda, que como cantan en islandés, o como se llame lo que hablan los islandeses, puedes inventar tu propia letra y apropiarte mejor de las canciones.

Mi novia también conocía al grupo antes que yo, y le pregunté también qué le atraía de Sigur Rós. Su respuesta fue que “con ellos descubres la paz”.

Después de escucharlos, las tres respuestas me parecieron acertadas, aunque me inclino más por la absoluta novedad de su música. La estructura de las canciones, la instrumentación, el ritmo son, al menos para mí, distintos a cualquier otra cosa.

Si a eso sumamos la extraña y bellísima voz de Jón Þór (Jónsi) Birgisson, aguda y vibrante, la combinación es genial.

Aquí va un ejemplo de lo que hacen. Es la canción síðasti bærinn

La carrera de Ben Affleck sufrió un bajón considerable a partir de su relación amorosa con Jenifer Lopez, ahora bien, sin duda vale la pena echar a perder tu carrera por pasar unos meses al lado de ella. Yo lo haría sin dudarlo. Esta teoría es de Matt Damon, uno de los mejores amigos de Affleck, quien en una entrevista se lamentó del mal estado de la carrera de su amigo.

Pero en la vida siempre hay segundo aíres, y Affleck lo ha encontrado con Gone Baby Gone. No sólo se presenta como un director muy prometedor, también se reafirma como guionista, dado que no había escrito una película desde que ganó junto Matt Damon el Oscar a mejor guión original por Good Will Hunting, película que dirigió Gus Van Sant.

¿Qué tiene Gone Baby Gone para disfrutarla?

Primero que nada algo que en las obras de arte narrativa siempre se disfruta, ya sea en una novela, teatro o una película, un dilema moral muy bien planteado, de esos que obligan al espectador a poner en orden sus valores para definir qué es lo bueno y qué es lo malo. Un discusión entre la moral y la ética, entre buscar el bien siguiendo las normas de la sociedad o hacerlo haciendo cosas que pueden parecer malas.

Segundo, un ritmo espectacular. Un sube baja constante, llena de pequeños nudos que la hacen realmente emocionante.

Por último, y no menos importante, estupendas actuaciones con personajes muy bien creados, memorables. Affleck logra que la ciudad de Boston sea un personaje más gracias a la magnifica dirección, uno respira la vida de los barrios bajos de la ciudad desde la primera escena. Nada de personajes simples de una película de acción, aquí las personas viven, sin concesiones.

Pues recomendada queda para lo que no la han visto, los que sí, abajo están los comentarios para que me digan si les gusto o no la primera incursión de Affleck en la dirección.

Lost in Translation es una de mi películas favoritas. Me emociona como pocas.

Su escena final es una joya.

No saber lo que Bill Murray le decía a Scarlett Johanson era magnífico. Uno de mis diálogos favoritos del cine, aunque no hubiera escuchado ni entendido una sola de las palabras.

Sin embargo ha aparecido este video en youtube, donde digitalizan el audio para descubrir lo murmurado por Bill Murray a Scarlett Johanson.

“Me tengo que ir, pero no voy a dejar que eso se interponga entre nosotros, ¿ok?”

El secreto se ha develado.

El grandísimo maestro Allen ha realizado este corto para solidarizarse con la huelga de guionistas en Estados Unidos que ya hemos comentado en este blog. El clásico humor inteligente de Woody.

Vía: ALT1040

¿Es posible no amar París? Conocerla, es amarla. Tiene todo: historia, sexo, belleza, amor, misterio. ¿No es la mujer que todos soñamos? A cualquiera de nosotros, como Rick le dice a Ilsa Blaine en Casablanca, no gustaría alguna vez decirle a nuestra persona amada: “Siempre tendremos París”.

Todo esto viene o no viene al caso porque ayer vi Paris, je t’aime. Son 18 cortos sobre el amor en París. A mí, este tipo de películas, siempre me cuestan trabajo. Al no tener una clara mano conductora, el ritmo es difícil. Sin embargo, Paris, te amo, me dejó un estupendo sabor de boca.

Fuera de los cortos de Walter Salles y Daniela Thomas, y el de Nobuhiro Sowa, que me parecen totalmente fuera de lugar, los demás tienen algo. El del mexicano Alfonso Cuarón, donde sale Nick Nolte, es muy bueno. Cómicamente geniales los de Sylvain Chomet, el de mimos, y el de los hermanos Cohen en el metro parisino.

Pero hubo dos que me enloquecieron y que se los presento en esta página.

El primero es de Vincenzo Natali y en el sale Elijah Wood. Es fantástico como en una pieza tan corta el director logra dar tantos giros. El del final es magistral.

El segundo es de Oliver Schmitz. El mejor corto, narrativamente hablando, que he visto en mi vida. En apenas cinco minutos, cuarenta y cuatro segundos, no sólo nos narra una historia completa, además nos hace involucrarnos y conocer los personajes. Yo me quedé con la boca abierta. (Subtítulos en ingles)

Seguramente discreparán de mis comentarios. Quizá no les gusto ninguno o tienen otros favoritos. Usen los comentarios para decírmelo.

Este fin de semana vi Agua (Water), una película de la directora india, radicada en Canada, Deepa Mehta. Sin caer en spoilers para que la vean y la disfruten, es la historia de un ashram donde viven un grupo de viudas. De acuerdo a la tradición hindú, las mujeres al morir su marido, les queda una de tres: incinerarse junto a su marido, casarse con el hermano menor de éste o llevar una vida de sacrificio. Y lo de llevar una vida de sacrificio implica ser relegadas totalmente de sus familias y la sociedad, por lo que tienen que acabar viviendo en casas con otras viudas y vivir de la limosna.

Aunque no me sabía esto de las viudas, no sorprende. La hindú es una de las religiones más primitivas. Sus principios y tradiciones no son sólo irracionales, también atentatorios de los derechos más mínimos del ser humano. En los reportes de Human Rights Watch sobre la situación en la India, leo que todavía los 165 millones de personas que son considerados “Dalits”, conocidos por nosotros como intocables, la casta más baja del hinduismo, siguen siendo discriminados y maltratados, existe un sistemático abuso, incluyendo torturas y asesinatos, y violencia sexual contra las mujeres. Un “apartheid” de facto.

Más allá de una crítica a las injusticias que se cometen por cuestiones religiosas o tradiciones, en este caso en la India, lo más fascinante de Agua es que plantea, como ninguna otra película que yo haya visto, la lucha entre diferentes niveles de conciencia. Tenemos un mundo convencional, donde un orden superior da orden a la vida y marca reglas y obligaciones que son verdades incuestionables, en donde ciertas personas emergen con una conciencia post-convencional y desafían al viejo orden.

El máximo ejemplo de ello en la película lo tenemos con una de las mujeres viudas del ashram, Shakuntala, que pregunta a su guía espiritual si ante el dilema moral que enfrenta, debe hacer caso de la tradición o a lo que le dicta su conciencia. Es ese pensamiento emergente, revolucionario, el que libera. Es por eso quizá, que la directora, en lugar de ubicar la cinta en el mundo actual donde todavía existe esta situación, la ubica temporalmente en los años 40, durante el proceso de liberación de la India encabezado por Gandhi, uno de los máximos ejemplos de conciencia post-convencional.

Pues véanla y ahí me cuentan su lectura, esta es sólo la mía. También les recomiendo que no dejen de ver La esperanza vive en mí (Reign over me). Una película fantástica con una actuación de Adam Sandler que me dejó boquiabierto. Aún no logro cerrar la mandíbula.

Ahora, quizá influenciado por la ola publicitaria de la nueva película de Los piratas del caribe, me puse a leer la primera novela del Corsario Negro de Emilio Salgari. A pesar de que no recuerdo nada de mi infancia, no sé si por traumática o fácil (ya he dicho que no me acuerdo), estoy casi seguro que debe haber sido una de las primeras veinte novelas que leí en mi vida. Y me volví fanático, leí la serie completa y luego todas las de Sandokan. Ahora que la vuelvo a leer, tras tantos años, tengo que confesar que he disfrutado las aventuras del pirata como en la infancia. Lamentablemente no me sucedió los mismo con la nueva película de Los piratas del Caribe: En el fin del mundo. La odie. El guión me pareció terriblemente forzado, lleno de ocurrencias. Lo único que la salva es el capitán Jack Sparrow, genial como en las dos anteriores. Eso, y un pasaje muy David Lynch que me hizo morir de la risa. Pero bueno, creo que mi opinión en esta ocasión difiere de la de los demás, mientras yo le puse 5, su calificación al día de hoy en IMDB es de 7.6.

Volviendo al tema del Corsario Negro, he encontrado googleando que, entre muchas otras versiones filmadas en todo el mundo, hubo una película mexicana de 1944 sobre la novela, protagonizada nada menos que por Pedro Armendáriz. A partir de hoy me pongo a buscarla, no moriré si verla.

Les recomiendo leer las novelas del Corsario Negro. Los que ya se sientan muy viejos para las aventuras de un pirata, regálenselas a algún niño que conozcan. Son muy baratas en cualquier librería y en las de viejo seguro las consiguen. Además de pasar un rato fantástico, desmitificarán la palabra “verga”.